Sesión Abierta

El último ejercicio antes de la sesión fue conciso. Los actores sentados en sillas, dentro del espacio escénico, mirándose a la cara y conectándose. Volver a descubrir el texto desde la comunicación profunda, sin mentir, sin simular, sin forzar. Transitando, estructurando y apoyándose en los compañeros.

Y la sesión...

40 minutos divididos en tres partes:

                            .- Las tres primeras escenas, dónde se instala toda la obra: se define el espacio imaginario, los personajes y la situación dramática.
       
                             .- Una escena intermedia: dónde los acontecimientos se precipitan y empiezan a solucionarse los conflictos.

                             .- La escena final: todo acaba, todo se distorsiona, empieza un nuevo juego.

Mi valoración de la sesión es muy positiva. Los actores defendieron la propuesta como leones. Transitaron por cada réplica, llenaron de contenido y forma (cada vez me cuesta más diferenciar estas dos palabras) todas las escenas. Sus cuerpos estaban concentrados, precisos. La acción y el movimiento les llevaron, sin forzar, a la emoción. Considero que la emoción no debe buscarse... y no la buscaron, se centraron  exclusivamente en poner la acción en movimiento.. la vibración llegó sola... limpia y clara.  La devolución del público fue muy positiva, acogedora y unánime.  Ellos disfrutaron, entendieron, entraron.. querían más y más... para nosotros esta devolución ha sido un regalo, el colofón final. Doy las gracias sinceramente a todos los que participasteis en el coloquio. Sin vosotros, el proceso no hubiera terminado.

Sin embargo, para mí, no es más que un principio... buen principio,  un apunte preciso de lo que podría llegar a ser la propuesta final. Sigo con incógnitas que creo que no podré resolver hasta que Horizonte Artificial esté completo.

                               .- Puesto que el mundo real está presente solamente por medio del espacio sonoro me pregunto; ¿es suficientemente contundente? o ¿haría falta complejizarlo para que tuviera una presencia más definida?
                               .- ¿Es necesario el desarrollo de la distorsión, de la pesadilla?

                               .- ¿ necesito una diferenciación más clara de los cuatro hermanos?

                             
Y más preguntas... que no puedo responder si no me pongo a ensayar... Ha sido un gran placer contar con un equipo tan profesional. Hemos luchado, nos hemos peleado, hemos estado sumidos en la duda, hemos llorado, reído, gritado, susurrado. La creación para mí NO es un acto de comodidad. Es un acto que se produce solamente cuando el equipo se siente continuamente en la cuerda floja, en la duda... solo ahí todo es posible.

Un gran abrazo

Arturo Bernal

Última etapa. Preparación de la sesión abierta

He preferido escribir un solo post de las últimas tres sesiones de trabajo de Horizonte Artificial porque las tres han estado marcadas con un solo verbo. SOLUCIONAR.

Al final de la etapa, toda la información estaba sobre la mesa... o mejor dicho... sobre la burbuja.  Estaba el juego, el drama, el espacio, la composición, la estilización, el trabajo gestual y textual... pero todos los ingredientes estaban desordenados, desajustados. La propuesta chirriaba, se caía, se levantaba...

Las decisiones tomadas al respecto han tenido que ver con:

                                          .- Ajustar partes textuales que provocaban un cortocircuito en la escena y que no habíamos conseguido que funcionaran: eliminar replicas, introducir palabras e incluso frases, ajustar los finales de cada escena.

                                          .- Trabajar en la precisión de las imágenes abstractas. Fue muy importante hacer  entender a los actores que algunas imágenes (el quirófano, el mundo subacuático, la aurora boreal, etc) debían ser impuestas al público. Es decir, no dar lugar al espectador para que  pensara o se planteara lo justo o injusto de esas partes. Nombrando a David Mamet; el actor debía defenderlas POR LA CARA.

                                         .- Eliminación de los pocos objetos reales que existían. En concreto, eliminamos la tiza con la cual la niña pequeña delimitaba el espacio escénico. No hacía falta, le daba peso y realidad... justo lo contrario de lo que demandaba la propuesta. Paso exactamente igual con las gominolas, ¿para qué? todo es imaginario, Horizonte Artificial es imaginario.

                                          .- Por último, durante todo el proceso, realizamos un entrenamiento psico-físico diario de 2h aprox. dirigido a la creación de personaje, del espacio y de la composición. Trabajamos en profundidad los 4 elementos (agua, tierra, fuego, aire) al servicio de la propuesta y de los personajes. Trabajamos a partir de un cuadro de Rothko. Trabajamos en el género teatral, etc. En definitiva trrabajamos en el CÓMO. Sin embargo cuando el actor sale a escena no puede pensar en CÓMO hago la escena, sino en QUÉ hago en la escena. El entrenamiento llega a través de la memoria corporal. No puede pensar en él... llega o no llega. Punto. A los actores les costaba confiar en su memoria corporal.  Finalmente en esta última etapa,  tuvieron la experiencia y descubrieron que es posible, que los entrenamientos sirvieron para que el cuerpo entendiera (quizá antes que la cabeza).

Acento

Hoy mostramos lo que serían los primeros ensayos para montar el espectáculo de "Horizonte Artificial".
¿Qué hemos hecho hasta ahora?
INVESTIGAR como sino hubiera fin, sin tener en cuenta que en 15 sesiones el espectador juzgaría nuestro trabajo.
Hemos descubierto formas de trabajo nuevas(dramaturga, director e interpretes), que la frustración no viene de la mano del bloqueo sino de más fuerzas para seguir luchando, que la realidad empobrece la veracidad, que la escucha es física(no intelectual) y viene dirigida por "acentos". Y por supuesto, que a un tercio de vida en este mundo todavía seguimos descubriendo nuestro cuerpo.
Como supondréis la lista continua pero hoy quiero que descubramos juntos y con suerte poder seguir este camino ahora con el elemento imprescindible: vosotros, Público.

Gracias a todos los compañeros de este viaje, que no son solo los mencionados.
Gracias por hacerme seguir creciendo.

Hasta esta tarde.

Tito Rubio-Iglesias

                                                                                    Fotografía de Alex Arnal

Avance del trabajo

12º ensayo.

Mis referentes teatrales comen y beben de Ariane Mnouskine, de Theatre de complicité, del mimodrama o Family Flöz...

El realismo es para mí un estilo que ha pretendido comerse a todos los demás y en el s.XXI es difícil hacer un teatro con una forma contundente. Necesitamos no 15 días, sino 15 meses. Siempre se necesitan 15 meses... pero lo importante es que hay un camino que está iniciado, que hemos encontrado la manera de impulsarnos....

Cuando la forma está vacía aparece el peor teatro del mundo

Cuando en el teatro no hay forma aparece el peor teatro del mundo

Nosotros estamos ahora mismo en el abismo... las dos afirmaciones anteriores aparecen constantemente y nuestra búsqueda ahora es ENCONTRAR UN EQUILIBRIO. Una veracidad en el estilo.

El elenco, la composición espacial, la seguridad en el cuerpo extracotidiano, las actitudes y las disociaciones, el espacio imaginario y el espacio cinematográfico...  la pesadilla y la realidad.

Sensaciones del Horizonte

He comenzado a descubrir otra dimensión: el terreno de “Lo físico” que por momentos creo alcanzar tan solo con la punta de los dedos y luego, sin entenderlo, se me escapa. Llenar “Lo físico” con el “Aquí y Ahora” o lo que es lo mismo; “Estar”, “Estar presente” en este proceso resulta complejo, incomprensible, frustrante y parece por momentos imposible para mi.

Conforme avanzan la sesiones y pasan los días, de corazón, me siento bloqueada, incómoda y perdida con el trabajo pero así ha de ser, ya que es la primera vez que trabajo desde esta perspectiva. Siento que empiezo de cero y esto da un gran aprendizaje al actor aunque el actor se sienta muchas veces vulnerable e inseguro.

En algún momento el cuerpo, la mente, o la “no mente” mejor dicho, hace un “clic” y todo fluye, pero eso ocurre, no hay que buscarlo. Todo esto y más es lo que estoy aprendiendo, asimilando... y en eso andamos.

Siento que mi proceso es lento y necesito tiempo para asimilar la cantidad de información.

Cada día, al empezar los ensayos hago por dejar a un lado mi frustración aunque luego, por el camino, me tope de vez en cuando con ella... Y me propongo ¡abrir la mente! para aprender y para enfrentarme con alegría a esta cima resbaladiza, al igual que le ocurre a mi personaje... A veces esto es lo más difícil pero hay que seguir.

Algunos días me retiro cansada pero siempre regreso con ganas y me siento muy afortunada de poder explorar otros terrenos desconocidos y ricos.

A veces, para dar un gran paso hace falta retroceder ochenta.

Alexandra Arnal

Descubrir y seguir, no parar

A pocos días del final no dejamos de investigar. Estamos en un buen laboratorio, no cabe duda.

"Centinelas del Ártico" Somos los guardianes de los sueños de nuestra hermana.

Tito Rubio-Iglesias

EL CUERPO, MI HERRAMIENTA

En estas últimas sesiones aprendí más de mi herramienta que en muchos años de estudio.

La transformación de él.

A dónde nos lleva.

Y para qué.

 Empiezo primero a ser consciente de que tengo más huesos y musculos de los que pensaba.

 

 Siento que todo dentro de mí se hincha. Pesa mucho. Se fortalece.

Y por último siento que el trabajo corporal fluye. Que estoy. Y que soy eso y nada más.


Os voy a poner un poema de Octavio Paez. Ilustra, bajo mi punto de vista, a veces el trabajo que hacemos. La imágenes. 

Dos cuerpos frente a frente
son a veces dos olas
y la noche es océano.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces dos piedras
y la noche desierto.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces raíces
en la noche enlazadas.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces navajas
y la noche relámpago.

Dos cuerpos frente a frente
son dos astros que caen
en un cielo vacío.

Marta Megías

 

 Tito Rubio-Iglesias

Definimos el juego. Partimos de elementos para crea los sueños de nuestra hermana. Cada uno simboliza parte de su despedida.

A ver que pasa mañana

Tito Rubio-Iglesias

1 de marzo. 10º ensayo. La Estilización.

Una parte muy importante del laboratorio está siendo la preparación y el entrenamiento de los actores. Abordamos diferentes conceptos desde el cuerpo en el espacio.

.- Abstracción

.- Composición espacial

.- Construcción de personaje

.- Mundo real - Mundo imaginario.

Ahora me gustaría hacer un análisis sobre uno de los puntos: Construcción de personaje. Desde el principio, en mi proyecto proponía la importancia del cuerpo de la niñez y de la adolescencia. Los motores físicos que impulsan a los personajes, los puntos de apoyo, etc

A lo largo del laboratorio, me di cuenta de que la niñez estaba de manera muy natural en todos los actores. Y que la investigación debía darse desde  un concepto más complejo y quizá más sútil. La estilización.  El motivo principal es que ellos trabajaban desde el realismo (entendido como estilo interpretativo) y considero que HA y la propuesta escénica chocan tangencialmente con el realismo. En la propuesta, los actores cambian de personaje, componen el espacio con sus cuerpos, generan imagenes abstractas,  muestran pesadillas, sensaciones, etc. En definitiva, interpretar desde el realismo una propuesta NO realista no se sostiene. O por lo menos, yo considero que no se sostiene.  El público debe notar que estamos en un mundo  extracotidiano desde el primer segundo...  la extracotidianidad es lo único que va a permitir que el público entre en nuestra convención. 

La pregunta ahora es ¿Hasta dónde puedo estilizar? 

Los dos extremos serían: 

 100% de estilización (danza, commedia dell'arte, mimo corporal dramático, bufón, clown, etc) 

 0% de estilización (realismo, naturalismo)

En esta escala, intuyo que nos encontramos al 40%... seguiremos probando y concretando esta hipótesis.

28 de febrero. 9º ensayo. El equilibrio. La disyuntiva.

Lo melodramático, lo emocional, el espacio oblicuo se había instalado en la investigación. Ha hecho falta romper la inercia y encontrar otra manera de expresión, que considero mucho más acertada para Horizonte Artificial.
La inercia que nos llevaba al melodrama se enraizaba directamente en  la muerte de la hermana pequeña pero... ¿es necesario recorrer Horizonte Artificial desde ahí? No, creo que no. El juego, el submarino, el ártico están precisamente para sublimar la muerte. Lo que sucede es que esta afirmación aparentemente sencilla  tiene complicaciones a la hora de plasmarlo en escena:


Cuando el drama se instala desaparece el juego. Cuando el juego se instala desaparece el drama.


La inminente muerte debe estar como telón de fondo pero no puede apoderarse de Horizonte Artificial. El juego, por tanto, debe ser una necesidad de todos los personajes: yo juego para superar-comprender-asumir-aceptar la muerte. El juego, la metáfora y la fantasía  hacen que los personajes se superen.  En otras palabras, la inminente muerte es el motor y las hélices  del submarino.


Digamos que veo una progresión en la manera de entender el juego en HA.  El juego ingenuo y brillante de  la primera escena se va transformando en un juego tenso, oscuro y forzado.

21 de febrero. 8ª sesión

Y hemos pasado el ecuador del laboratorio. Hemos vivenciado las 5 escenas que presentaremos el día 20 de marzo.  Vivenciado, reaccionado, comprendido psico-físicamente.

En la jornada hemos empezado a profundizar sobre la abstracción. ¿Qué es la abstracción y cómo puedo mostrarla a través del cuerpo del actor-actriz? Hemos visto la necesidad de partir de un concreto (espacio, suceso)  y hemos visto que en muchas ocasiones lo concreto no consigue expresar la grandiosidad de una emoción... aquí es dónde debe llegar otra forma artística. El mundo onírico no se nutre exclusivamente de historias... hay otros recovecos a explorar: distorsiones,  confusiones, sensaciones, emociones, colores, pesos, etc.

¿Cómo  se MUEVE un color o una sensación o una emoción?  desde luego, no a través de un personaje, ni de una situación ni de una acción. Hacen falta otras técnicas teatrales para responder a esta pregunta.

1) La pre-expresividad que permite al actor descubrir nuevas formas y contenidos: diagonales, planos espaciales, pesos, dinámicas, ritmos, etc.

2) La identificación con el mundo que nos rodea . Un actor juega a ser un personaje. Pero un actor puede jugar también a ser el mar o el color rojo o jugar a ser la ira en estado puro, sin personaje, la dinámica de la ira.

el cuerpo descubre  y transmite. Otro plano del trabajo del actor que considero imprescindible en el panorama teatral en general y en Horizonte Artificial en particular.

18 de Febrero. 7º ensayo

Una pequeña reflexión:::::: Pocas imágenes me parecen tan esclarecedoras para referirme al espacio de Horizonte Artificial. Un mundo imaginario  frágil, escurridizo, enigmático.... la poesía de la burbuja, la dinámica de la burbuja nos da claves esenciales para abordar el trabajo.







Un mundo que se rompe constantemente y que debe volver a costruirse por otra nueva burbuja... otro esfuerzo, cada vez más complicado de llevarse a cabo.








Sobre la sesión, varias apreciciaciones... hemos conseguido desentrañar la escena de las ballenas, el tránsito de los personajes, sus cambios, sus reacciones, el incipiente y angustioso sonido arrítmico del corazón, su sublimación y las fuerzas para continuar el viaje sin retorno.

15 de febero. 6º ensayo. O el cortocircuito.

Hemos empezado a investigar sobre la escena 6.  La niña moribunda sufre una arritmia y parece que el momento fatal se acerca.  Entre todos intentan (este verbo es perfecto) a veces consiguiendo y a veces sin conseguir transformar el sonido, convirtiéndolo en un grupo de ballenas.

Aquí ya está instalado el mundo imaginario, ya está instalado el mundo sonoro, la presencia de los 4 hermanos... en definitiva, ya sabemos a lo que jugamos. ahora, ¿qué? queremos desarrollar este universo hasta llegar a la abstración. Mostrar el imaginario de la niña, no solamente a través de la historia, sino de su mundo emocional-sensorial.  Rothko y este cuadro en concreto es nuestra máxima inspiración.

Ha sido un día duro, la comprensión de la escena no ha sido evidente. Ella es compleja... muchos cambios, y todos ellos con un telón de fondo muy trágico.  El "cortocircuito" se ha apoderado de todos y cada uno de nosotros en algún momento de las 5 horas. ¿Cómo me relaciono con mis tres hermanos? mi personaje estoy empezando a descubrirlo ahora, ¿cómo es?... Arturo, ¿ explícame por favor como tengo que reaccionar aquí?... la acción interna en este momento, ¿cuál es?...  ¿qué hago?... estoy perdido...

Creo que perderse es imprescindible en un proceso creativo... a mí no me asusta e intento transmitir lo positivo... quién busca por el buen camino, encuentra!!!!!

14 de febrero. 5º ensayo.

En primer lugar quiero destacar que Andrea Revilla-Fleury ha venido a compartir el ensayo con el equipo... partida doble: la primera espectadora del laboratorio. La dramaturga y artífice de todo el imaginario.

Como siempre desde que empezamos a investigar en noviembre, Andrea y yo no tenemos pelos en la lengua y hablamos con una sinceridad que a mí me sigue asombrando... en un mundo dónde las apariencias parecen las más adecuadas para enfrentarse a los conflictos. Hablamos de los problemas en los que nos hemos encontrado... ella asume con mucho cariño todo lo que investigo... yo asumo (intento que con mucho cariño, también) las notas que ella me da sobre mi puesta en escena. Nos tragamos el ego, que no es fácil y seguimos creando equipo.

El intimismo explorado a través de la segunda escena de Horizonte Artificial: La niña moribunda intenta explicar a su hermano pequeño que está a punto de morir a través de la metáfora del ártico (frío, blanco, fin del mundo, silencio, calma, ...). La niña lo intenta con la ayuda imprescindible de los dos hermanos mayores, que desempeñan diferentes roles... desde objetos hasta abrigos. Desde padres hasta luces.  El hermano pequeño no quiere entender.

Miércoles 13 de febrero. 4º ensayo.

Cuarto ensayo o... de cómo el público puede entrar en la cabeza de la niña moribunda. Después de probar diferentes maneras, ninguna de ellas convincente, el feed-back de los actores me ha resultado imprescindible a la hora de encontrar una opción válida. Cada día, el laboratorio se parece más a un laboratorio... esta redundancia para explicar que la creatividad aparece, cada día más contundente, para quedarse.
Gracias a Marta, a Tito, a Alex y a Jaime... crear un grupo de creación no es tarea fácil y destaco que ellos están poniendo todo su empeño para conseguirlo.

Lo onírico:::: distorsionado, desestructurado, surrealista, emocional, lúdico y colorido.
Lo real:::: duro, trágico, oscuro, desesperante.

la tragedia me lleva al juego para sublimar la realidad.

Hay muchas cosas que se podrían comentar de este proceso. Pero a veces una imagen vale más que mil palabras. Yo hoy quiero recomendar elementos, imágines, palabras, enlaces de películas... Cosas que me evocan a este mundo imaginario, donde cada día, al llegar, nada es previsible.

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS es una película que ví hace poco y desde el minuto 0 me llevó a este tan querido Horizonte Artificial. Es de un mundo donde la imaginación te lleva a la utopía.
De la busqueda de un refugio donde poder escondernos de nuestros miedos.
Enlace:

 http://www.youtube.com/watch?v=gPkeNzWT6Yo


Muchas de las escenas que vamos a trabajar, partiendo del imaginario, no son fáciles de llevar a cabo, puesto que a veces el imaginario tiene que partir de algo abstracto para poder ser construido. Demasiadas capas.

Aquí os adjunto imágenes que me llevan a este Horizonte Artificial. Donde el juego te ayuda a sanar: los externo y lo interno.

Marta Megías.

3er ensayo. Seguimos investigando sobre la creación de un mundo imaginario a partir del mundo real...

Es necesario situar al actor/actriz en una gran flexibilidad psico-física.  Es decir, debe ser capaz de mostrarme el mundo real (con una acción concreta y un espacio concreto) y al siguiente mili-segundo  debe mostrarme el mundo imaginario (otro espacio y otra acción). En esta investigación, el actor/actriz debe saltar de un lugar a otro constantemente. Debe estar en dos lugares a la vez. ¡JA! y ¿cómo se hace esto?  precisamente esta es una parte esencial de la búsqueda.

.- En primer lugar hay que entrenar esta flexibilidad, sobre todo por  un motivo: normalmente, en las producciones y en las escuelas a los actores les enseñan a concentrarse en el personaje y transitar "orgánicamente" a través de él por toda la obra. Aquí afirmamos este supuesto, pero también afirmamos algo  más: el actor debe poder romper una imagen (al margen del personaje) y crear otra. Esto conlleva dificultades o tendencias incorrectas:

                     .- El actor/actriz tiende a llevarse consigo la emoción anterior
                     .- El actor/actriz tiende diluir los dos espacios, tiende a IGUALAR.
                     .- El actor/actriz tiende al "cortocircuito". Es decir a perderse y no hacerse dueño de la acción.

Desde el punto de vista de la dirección conlleva otras dificultades o tendencias incorrectas.

                      .- Dar por hecho que el público sigue tu imaginario.
                      .- Por el contrario, dar demasiada información.

Estos dos contrarios están continuamente en mi cabeza y ajustarlos requiere tiempo, calma y una buena mirada.

7 de febrero 2013. Primer día.

Como primer día, lo importante es sentar las bases. Por un lado, unas bases físicas. El grupo se conoce o "se reconoce" a través de la pre-expresividad. Marcamos las primeras líneas que nos permitirán utilizar un lenguaje común. Los esenciales niveles de energía corporales tipificados por Jacques Lecoq. Un ejercicio que normalmente hago en el primer día y que ya nos coloca en un estado de alerta base para todo el laboratorio.

Por otro lado, las bases de la investigación. El texto y la propuesta escénica.  Las escenas que trabajaremos serán: prólogo, escena 1, 2, 6 y escena final.  No explicaré aquí toda mi propuesta escénica porque está colgada en este blog. Sin embargo resalto que estas 5 escenas son perfectas para poder explorar sobre: espacio real-espacio imaginario; espacio circular; la abstracción; el mundo sonoro; la fisicidad de los personajes y el gesto en extremo o el gesto en susurro.

8 de febrero. Segundo día. la acción en los espacios.

Situar al grupo en un estado de acción constante (física e interna) creo que es primordial para poder empezar a atacar las escenas. En este caso, prólogo y escena 1.


Aquí hay tres acciones  relacionadas con 3 espacios diferentes:


1) Los 2 hermanos mayores que consuelan al pequeño en el desván. (espacio real)

2) La niña (ayudante) en el piso de abajo, que percibe y escucha todo lo que ocurre en el desván. (espacio real)

3) El submarino que la niña (ayudante) imagina para abstraerse de la realidad y para ayudar a sus hermanos a superar su muerte. (espacio imaginario)

En primer lugar es necesario crear las tres acciones  que, como he dicho, corresponden a tres situaciones en tres espacios. Posteriormente, lo importante es crear el espacio imaginario a través de los dos espacios reales. Este ha sido un trabajo muy sutil y aparecen preguntas que hay que contestar
                                                   
                                                       .- ¿cómo hago ver al público que el espacio imaginario transcurre exclusivamente en la cabeza de la niña (ayudante)?
                                                        .- ¿Como entro en este espacio imaginario sin que sea algo impuesto, sino que la propia acción textual nos haga entrar en él con fluidez?
                                                        Puesto que los espacios reales y el imaginario suceden al mismo tiempo, ¿cómo mostrar que los personajes están en los dos sitios a la vez?
                                                 
Segundo día muy productivo en el que no solamente nos hemos planteado preguntas, sino que hemos propuesto una posible solución a todas estas preguntas.